1984 - Mecano: Ya viene el sol

Mecano - Ya viene el sol Lanzamiento: 15 de octubre de 1984 Grabación: 1983-84 Género: Tecno-pop Duración: 40:11 Discográfica: CBS Productor (es): Mecano

Ya viene el sol es el tercer álbum de estudio del grupo de pop español Mecano, publicado en 1984. Es un disco que se diferencia notablemente de sus dos trabajos anteriores, ya que introduce sonidos más novedosos, como el sampler/workstation Fairlight. Además, a partir de este trabajo el grupo asumió la producción de sus restantes álbumes. Es el primer disco en el que no se incluye un tema instrumental, como sí ocurría en los dos anteriores, y en él aparece la única canción en cuya composición participa Ana Torroja, aportando parte de la letra del tema Mosquito.

Grabación

La producción, dirección y arreglos corrieron a cargo del propio grupo. Las canciones de José María Cano para este trabajo fueron grabadas en el estudio Audiofilm de Madrid y las de Nacho Cano en los Lillye Yard, Snake Ranch y Nova de Londres. Los músicos que colaboraron en la grabación fueron: al bajo, Manolo Aguilar y Andy Brown; en la batería: Jariver De Juan, Charlie Morgan y Arturo Terriza y en la programación de Fairlight: Hans Zimmer, Nacho Cano y José María Mainat. Los temas 1, 2, 3 y 6 fueron mezclados en Red Bus (Londres) con Austin Ince y los 4, 5, 7, 8, 9 y 10 en Audiofilm (Madrid) con Luis Fernández Soria.

El diseño gráfico y las ilustraciones del interior del elepé, como en los dos primeros del grupo, son obra del Studio Gatti y las fotos fueron tomadas por Alejandro Cabrera. En el disco, los miembros del grupo muestran su agradecimiento a Hans Zimmer y a Luis Fernández Soria "por su ilusión en éste trabajo".

Contenido y promoción

De este trabajo discográfico se extrajeron cuatro singles. El primero, Japón, es un tema de Nacho Cano muy moderno para su época, al utilizar como percusión toda clase de sonidos industriales programados en el fairlight grabados previamente en una fábrica. En el tema, sobre la vida en un Japón hiper-industrializado, se escuchan voces en japonés y un coro de niños cantando una nana en ese idioma. En la portada del single, que tiene la apariencia de un pergamino, aparecía la primera estrofa del tema en caracteres japoneses. También se publicó una versión disco-mix en un maxi-single.

El segundo single en ser promocionado fue Busco algo barato, también de Nacho Cano, que incluye en la cara B un tema que con el tiempo se convertiría en uno de los más representativos del repertorio del grupo. Se trata de Aire, compuesta por José María Cano y que éste propuso a la discográfica lanzar como single; la propuesta fue rechazada y la canción quedó relegada a ser sólo un lado B. En algunos países de Latinoamérica, como Venezuela y Colombia, fue promocionada en la radio en una versión radio-edit creada por Radio Nacional de Venezuela AM con la finalidad de acortar la duración del tema, facilitando su promoción. Gracias a esto sirvió como puerta de entrada de cara a un público que veía en Mecano una forma diferente de hacer música y de hablar sobre ciertos temas. Para muchos críticos, Aire es la alegoría de un suicidio provocado por el consumo de drogas, aunque su autor nunca ha dado una explicación clara sobre su significado.

El tercer single fue No pintamos nada, una canción de Nacho Cano con un típico sonido tecno-pop sobre el tema de la Guerra Fría cuyo título hace referencia a la falta de voz y voto de las personas corrientes cuando se trata de decidir los asuntos de alta política. El sencillo incluyó como lado B un tema inédito no incluido en el álbum, La extraña posición, que narra un triángulo amoroso que termina en crimen pasional. También se publicó un maxi-single que incluía el primero de los temas en versión industrial, prácticamente instrumental, y el segundo en versión disco-mix, con una introducción coral en latín de un réquiem interpretado por la Coral de la Iglesia de St. Mathews de Londres.

El cuarto y último single extraido del álbum fue Hawaii-Bombay, la primera canción de José María Cano publicada como cara A de un sencillo de Mecano. Como cara B se incluyó El mapa de tu corazón, que tiene la atmósfera más acústica de todos los del álbum. Hawaii-Bombai, sobre una base apoyada en el ritmo del bajo, agrega las líneas melódicas de las guitarras electricas y los teclados para sugerir un ambiente hawaiano, aderezado además con sonido naturales, como cantos de pájaros y el oleaje de la playa. Del tema se filmaron varios videoclips aunque sólo uno se publicó de manera oficial. De ésta misma canción se publicó un maxi-single con una versión extendida, veinte segundos más larga que la incluida en el álbum al agregarle percusión adicional y un puente musical algo más largo. En España, el tema fue elegido por los medios como canción del verano por el enorme éxito que tuvo en las emisoras de radio de aquel año. El tema sería años después grabado en inglés, pero no se llegó a publicar por la separación del grupo en el año 1998.

Asimismo, en Chile se editó un picture-disc promocional de Hawaii-Bombay: la portada era de color negro, sin título, con un agujero en la cara frontal a manera de ventana circular para poder ver la galleta del disco, en la que hay un dibujo alusivo a la canción con una playa, palmeras, un par de maracas con una guitarra y la Luna reflejándose en el mar. La versión del picture-disc, muy similar a la del álbum con la única diferencia de algunos cambios en la letra de la canción, y también incluida en un elepé recopilatorio de CBS para Argentina que contaba con canciones de otros artistas, fue cantada una sola vez por el grupo, en un programa del Canal 13 de la televisión chilena.

El tema Me no parle vous français, grabado para aparecer en este álbum pero posteriormente descartado, se convertiría más tarde en el tema Abracadabra, que Alaska interpretaría para el programa de Televisión Española La bola de cristal.

El tema Ya viene el sol aunque no fue un single oficial, tuvo bastante éxito en Latinoamérica, donde se filmaron de él varios videoclips no-oficiales, sobre todo en México.

Ya viene el sol, a pesar de la evolución en las composiciones de los hermanos Cano y de su mejor producción comparado con los dos discos anteriores de Mecano, es el álbum menos vendido del grupo, con sólo unas 100.000 copias.

Temas

1. No pintamos nada (Nacho Cano) 3:50.
2. Ya viene el sol (Nacho Cano) 4:42.
3. La estación (Nacho Cano) 4:15.
4. Hawaii-Bombay (José María Cano) 4:10.
5. Mosquito (Nacho Cano / Ana Torroja) 4:22.

6. Busco algo barato (Nacho Cano) 4:32.
7. Aire (José María Cano) 4:09.
8. Me río de Janeiro (José María Cano) 4:02.
9. Japón (Nacho Cano) 4:06.
10. El mapa de tu corazón (Nacho Cano) 3:23.

Singles y maxi-singles

* Japón / La estación (single, 28/Mayo/1984).
* Japón (single promocional con un solo tema, 28/Mayo/1984).
* Let's dance Japón (disco-mix) / Japón (versión álbum) / La estación (maxi-single
28/Mayo/1984).
* Busco algo barato / Aire (single, 8/Octubre/1984).
* No pintamos nada (versión álbum) / La extraña posición (versión original) (single,
10/Diciembre/1984).
* No pintamos nada (nueva versión industrial) / La extraña posición (versión disco-
mix) (maxi-single, 12/Diciembre/1984).
* Hawaii-Bombay / El mapa de tu corazón (single, 8/Abril/1985).
* Hawaii-Bombay (versión censurada - edición Chile) (Picture-disc promocional con
un solo tema, 8/Abril/1985).
* Hawaii-Bombay (versión maxi) / Hawaii-Bombay (versión álbum) / El mapa de tu
corazón (maxi-single, 17/Junio/1985).

1994 - Nacho Cano: Un mundo separado por el mismo dios

Nacho Cano presenta, tras dos años de trabajo, su primer disco en solitario

El álbum, místico e instrumental, no significa el fin de Mecano

Nacho Cano ha trabajado durante los dos últimos años en su proyecto mas ambicionado: un álbum instrumental, compuesto por él en solitario. Ayer presentó ‘Un mundo separado por el mismo Dios’, un disco que llama tanto a la reflexión espiritual como al compromiso con algunos problemas sociales. Un mensaje de armonía. El disco es instrumental y, según él, no significa el fin de Mecano.

Todo invitaba a la meditación. Las antorchas que señalaban el camino de entrada al lugar de la presentación (el Museo de Antropología), la alfombra azafranada, las velas en el suelo, la media luz, el incienso, algunos hare Krishna, monjas, hindúes, entremeses, cócteles, actrices y medio mundo del pop y los medios de comunicación. Penelope Cruz (novia de Nacho Cano), Ana Torroja, Cristina Rosenvinge, Aitana Sánchez Gijón, Marisa Paredes, Alejandro Sanz, Coque Malla y miembros de Los Rodriguez, La Unión y Cómplices acudieron a la fiesta.

Poco antes, en conferencia de prensa, Nacho Cano explicó su trabajo. La primera pregunta formulada fue si esto significaba el fin de Mecano, el grupo que, junto a su hermano José María y la cantante Ana Torroja, integró durante 14 años. La respuesta es no. Mecano promete seguir adelante.

Nacho Cano, de 31 años afirmó que para é era una necesidad vital hacer un álbum como éste. “No es que haya tardado mucho en hacer este trabajo, pero es que los años con Mecano me agotaron. Hace tiempo que quería hacer un álbum instrumental, pero me llevó mucho tiempo elaborar el concepto y poder realizarlo”, dijo.

Tecnologías

Nacho Cano habló de su amplia utilización de las tecnologías del sonido para elaborar su disco, pero añadió que “mi música no es electrónica; me interesa destacar la humanidad de los instrumentos”. También dijo que su música está muy ligada a la imagen, a los videos, y que tal vez sea difícil escucharla sin verla. “El autor poner la música, los oyentes pondrán las imágenes”

Respecto al alambicado titulo del disco confesó que él mismo no lo entiende, pero añadió: “Para mí, el mundo ha sido hecho por el Creador, que ha puesto una gran diversidad de personas, animales y cosas, así como distintas formas de llegar a él. Buscamos en Dios una excusa para imponernos unos a otros, como lo vemos en los integrismos. Pero lo importante es la armonía entre todos”.

Algunos de los temas del disco se refieren a su trabajo con disminuidos psíquicos y temas ecológicos. “Trabajar con ellos produce una primera impresión de rechazo, de shock”, admitió. “pero luego llegas a apreciar una cierta armonía en todo ello. Muchos rechazamos pensar en ese tipo de persona, porque presentimos que nos demanda un compromiso que no asumimos. He sido honesto y me siento bien de haberme acercado a ellos” dijo.

El País - Jueves 3 de Noviembre de 1994

1984 - La mode - cronica de un concierto

Grupo/Artista: La Mode
Local: Pachá (Valencia)
Por Vicente Siroco, 1984

Corría el año 1984, aunque no recuerdo con exactitud el mes en que me encontraba. Los amigos habituales por aquellas fechas (7 o 8 New Romantics más o menos), nos disponíamos a ver un concierto de La Mode, sin lugar a duda uno de nuestros grupos favoritos por aquel entonces. El “bolo” en cuestión se celebró en la Discoteca Pachá de Valencia un sábado por la tarde, un horario y día poco habituales para la sala, pero por aquella temporada les dio por ofrecer conciertos de grupos nacionales del momento en ése día de la semana. Recuerdo por ejemplo, que el sábado anterior habían actuado Radio Futura, y el posterior a La Mode, Vº Congreso patearon el escenario.

La sala estaba a rebosar, por lo menos allí se encontraban siete mil personas, y los responsables de la Discoteca querían aprovechar la sesión discotequera de la tarde, con su público fijo y en muchos casos ajenos al concierto que se iba a celebrar, con los que realmente acudían a la sala a ver la actuación que tocaba entonces. Y con ello, llenar el local hasta el punto de quedarse en muchas ocasiones gente en la calle porque el aforo no daba mas de sí.

Tras numerosos empujones, desmayos gratuitos, compañeros perdidos, cristales rotos por el suelo, y algún que otro vodka con limón esparcido por mi ropa, logramos colocarnos muy cerca del escenario, esperando ansiadamente la aparición del trío sobre el tablado.

Y por fin llego el momento, como no, con su media horita de retraso habitual de todos los conciertos. Las luces mareantes se apagaron, la música de New Order dejo de sonar, y tras la oscuridad emitida sobre el escenario, se podía empezar a divisar el ajetreo rutinario de los músicos haciendo su aparición. El comienzo era cuestión de segundos.....

Igual que en El Eterno Femenino, la cosa empezó con Wild Puppets, una de las mejores canciones que tienen registradas La Mode. Un sonido sensacional, puesta en escena perfecta, y el delirio que se contagiaba por momentos. Los mas entendidos observamos un pequeño fallo sobre aquel ya repleto escenario. Fernando Márquez “El Zurdo”, gran admirador nuestro, no se encontraba al frente del trío, en su lugar yacía la figura del valenciano Daniel Bataller, en una de sus primeras actuaciones con La Mode. Sabíamos de los problemas de Fernando con su voz, pero no pensábamos que en aquella actuación ya no estaría junto a Mario Gil y Antonio Zancajo. Fue un duro golpe pero que se iba diluyendo a medida que el concierto avanzaba.

Los temas que tocaban se mezclaban entre El Eterno Femenino y 1984, que al fin y al cabo era la presentación en Valencia de éste último. Mi Dulce Geisha, Erección, Cita en Hawai, En Cualquier Fiesta, La Teoría de la Relatividad, etc... etc... Todas perfectas, tocadas impecablemente. La gente sabía de sus letras, sobre todo de las de su primer L.P. Uno de los momentos mas dulces, llegó cuando el grupo emitió los primeros acordes de Negro y Amarillo, que a pesar de no ser una gran canción, si que tenía entonces el apoyo de todas las emisoras de radio comerciales (sonaba hasta la saciedad por aquellas fechas). Tras casi hora y media de auténtico gozo el grupo se despedía Valencia hasta una próxima ocasión, aunque sabíamos que eso no podía acabar así, echábamos en falta una canción que no habían tocado, y por supuesto no podían pasar por alto, hubiera sido toda una aberración no haberla cantado. En efecto, después de un par de minutos en que el grupo abandonó el escenario, y tras el enfurecido malestar del público, La Mode saltó de nuevo al ruedo para plasmar una de las mejores canciones de los ochenta, Aquella Canción de Roxy.

Increíble, alargaron el tema por lo menos diez minutos, mientras tanto Mario Gil se daba el lujo de tocar los teclados al revés, siendo entonces el más aplaudido de aquella tarde-noche. Una vez terminada la pieza, si que se despidieron definitivamente hasta una no muy lejana ocasión. Nos fuimos de allí con un gran sabor de boca, un entusiasmo que duró toda la noche entre cervezas y chicas. Un sobresaliente para los chicos de La Mode.

Esta ha sido la experiencia que viví con uno de los grupos más perfectos que ha contado nuestro país, lástima que se cortara tan pronto la figura de Fernando Márquez, aunque a decir verdad y a mi parecer, Daniel Ballester fue un digno sustituto del “Zurdo”, con él se han hecho uno de los mejores LP.’s que posee el mercado nacional, La Evolución de las Costumbres.

1999 - Humanoid: OCR

Ed: 1999
Estilo: Dance
Subestilo: Technohouse

"O.C.R." (Optical character reconociment), el segundo CD álbum de HUMANOID es un disco mágico, dotado de una versatilidad y una sensibilidad capaz de transmitir mil y una emociones. En él, más que mostrar una imagen diferente a la de "Vectorspheres" (su primer trabajo), nuestro androide de Lugo refleja con nitidez su verdadera personalidad: la de un infatigable recolector de ritmos y polvo de estrellas que le den el pulso y el brillo necesario a unas canciones que tratan de reflejar su visión del mundo en el que vivimos. Un disco del que, hasta hace muy poco, solo conocíamos una versión de "Multicolour", el precioso adelanto incluido en el recopilatorio "Mascotas", y que contiene, entre otras, la canción perfecta para una historia de amor en el final de milenio...

Las tareas de creación, ensamblaje y masterización de este nuevo trabajo han sido llevadas a cabo directamente o bajo la dirección de Arturo Vaquero, en diferentes procesos que se han visto culminados el pasado verano, incluso antes de lo esperado, con un resultado final absolutamente increíble. Es muy probable que la influencia del eclipse y, tal vez, la de una princesa de ojos verdes, así como la inestimable colaboración del personal que gravita entorno al Green Room Studio, haya sido definitiva a la hora de intensificar su ya de por sí alto grado de inspiración.

En "O.C.R." de nuevo ha prevalecido su lado humano, el factor que, paradójicamente, más le distingue del resto de sus competidores, llegando a desarrollar en sus melodías un sentimiento fuera de lo normal, capaz de cautivar el corazón más frío y la mente menos receptiva a sus impulsos sensoriales. Temas como "Green eyed princess", la canción de amor perfecta anteriormente aludida, o "The girl in disguise", así lo acreditan.

Pero no sólo se ha visto reforzado el lado más lírico y emocional de sus composiciones, este segundo larga duración se caracteriza especialmente por un notable enriquecimiento en el tratamiento de los ritmos, que le han hecho investigar y adentrarse en espacios musicales hasta ahora inexplorados por él y que le colocan en la órbita por la que ahora mismo deambulan los astros más refulgentes del sistema solar del tecno y del baile. La inquieta "Alien's dance", que abre el disco, la frenética "A trip to Düsseldorf" o la relajante "Après la pluie", que lo cierra, son tres destacados ejemplos.

En cualquier caso, las once piezas que forman parte de él, podrían catalogarse como un manual de vida en nuestro planeta, en el que HUMANOID repasa diferentes situaciones cotidianas experimentadas en sus fructíferos dos años de estancia junto a nosotros. En resumen, un disco vital, cosmopolita y multicolor, que captará nuevos adeptos a la causa del tecno y del pop y que volverá a cautivar a sus numerosos seguidores.

http://musica.hispavista.com/

1998 - Mell Allen

MELL ALLEN es el nombre escogido por Miguel Núñez Cortés para firmar sus travesuras sonoras. A pesar de proceder de Villarrobledo (Albacete), lo suyo no es el techno pop de juguete ni el heavy medieval: a MELL ALLEN lo que le gusta es el drum and bass y el jungle.

Su debut (“Dallas”) no pasará a la historia simplemente como el primer trabajo de jungle hecho en nuestro país, o como el disco resultante de su victoria en el concurso de maquetas Rockdelux de 1997. Sería menospreciar un disco variadísimo, muy entretenido desde la primera escucha, y que, desde su desfachatez y falta de prejuicios (¡¡¡incluso se saca de la manga nuevos géneros como el “country-jungle”!!!) se revela como uno de los mejores discos de música electrónica hecha en nuestro país; un disco que sin duda hará que el techno gane muchísimos nuevos adeptos gracias a lo bien resueltas que están todas sus ideas, y a lo estupendamente bien que encajan todas las piezas en el conjunto final (APHEX TWIN, SQUAREPUSHER y ORBITAL también se dejan ver; incluso ICE T y los BEATLES se cuelan en la fiesta como si tal cosa). No está nada mal para ser “un simple disco de drum´n´bass”, ¿no?

MELL ALLEN también es un estupendo entertainer en directo, como lo demostró en sus actuaciones en el Sonar 98, o la que realizó en el Bam de Barcelona ese mismo año compartiendo cartel con James Hardway y DJ Aphrodite; en 1999 ha dado varios conciertos, entre los que cabe destacar su aparición en el Festival Insonit de Alicante en Mayo, o en el festival “ContemPOPránea” de Alburquerque (Badajoz) en Junio.

A partir del 2000 los caminos de MELL ALLEN y de Elefant se separan... El segundo disco del artista ve la luz en el sello Subterfuge.

Discografía en elefant:

ED-024 “Dallas” CD1998

Canciones en recopilatorios:

“M.A. way” en LOOKING FOR CHENCHO B.S.O. (PIAS CD 2002)

http://www.elefant.com/

1984 - Bonezzi and Didi st. louis

Grupo que formarían Bernardo Bonezzi y la vocalista americana Didi St. Louis. Bonezzi, más conocido por haber sido el vocalista y fundador de los enigmáticos Zombies, había formado una banda llamada Salambó, antes de formar este dúo don Didi.

Con el patrocinio del programa televisivo "La Edad de Oro" de Paloma Chamorro, presentan su unico álbum, repleto de atosigantes arreglos, pero con canciones apasionadas. El disco de nombre homónimo se editó en 1984 para Epic, y se extrajeron un par de singles, 'Banderas' en 1984, y 'La herencia' en 1985.

El público le da la espalda y, tras el fracaso, decide retirarse de los escenarios para dedicarse componer para otros, como por ejemplo bandas sonoras para las películas de Pedro Almodóvar, incluso llegó a producir a McNamara.

En la actualidad, trabaja en la Sociedad General de Autores, y dirige su propia discografica, Tabú.

Redacción NO80s
(Aportaciones: Maoa)

1985 - Biceps

Grupo tecnopop tan bueno como efímero formado por Antonio García y Juan Ferro (guitarra).

Tecnopop exquisito con muchos arreglos y efectos electrónicos de la época con buenas melodías y voces bastante aceptables.

Grabaron unos cuantos singles y un Maxi, todos ellos extraídos de su Lp titulado 'Vampiresa' que editó CBS en 1986. Toda una joya de disco con seis poderosos cortes: 'Muñeco de ficción', 'Vampiresa', 'Oda a la tierra', 'Planta 20', 'El jugador' y 'Entra y sale'. El Maxi lo conformaban los temas 'Planta 20' y 'El jugador', donde 'Planta 20' también tenía su "versión maxi" de rigor. El disco fue grabado en los estudios Doublewtronic de Madrid.

Redacción NO80s

1982 - Arte moderno

Grupo canario formado por Javier Segura, Juani Belda y Mandi Capote (batería). Javier es el dueño de la discográfica Manzana, Juani Belda actualmente es el líder de Waxbeat junto con Patricia Kraus, y Mandi , por su parte provenía de un grupo de sinfónico muy potente en Canarias llamado Samara.

En el verano de 1982, una vez que Mandi cumplió con el servicio militar en Madrid, estuvo tocando con un grupo llamado Caballo, pero un dia se cruzó con Juani Belda que le propuso un viaje relámpago a Canarias para hacer unos conciertos que se iban a celebrar inminentemente. Fue cuando Mandi quedo atrapado por la musicalidad y el concepto del grupo, dejándolo todo por unos intensivos ensayos que duraron dos dias previos a los conciertos en cuestión.

Arte Moderno sonó desde el primer momento con mucha potencia. Se convirtieron prácticamente desde el primer concierto en un referente de música electrónica, grabando un disco para Ja Ja Records en 1982, titulado 'Ninnette en Nueva York'. Era un un grupo con mucho potencial pero demasiado mundo metido en la cabeza.

La formación sufrió pequeñas variaciones debidas a la inclusión de Javier Cabrera como bajista, proveniente de un grupo llamado Moral Femenina. En esta época grabaron su segundo trabajo, 'Wir sagten die Wahrheit'.

Al poco se separaron, aunque Juani Belda y Mandi Capote formaron parte de Skalextric para grabar unas maquetas hasta que Mandi se fue a vivir a Boston y Javier Segura se volcó con su discográfica Manzana.

Redacción NO80s - Aportaciones: Mandi Capote

2007 - Casal: Más allá del embrujo - la maldicion de Tino Casal

La maldición de Tino Casal

Acaba de publicarse la primera biografía de Tino Casal (Tino Casal: más allá del embrujo, Madrid: T&B) y parece que más que histeria colectiva, lo que va a provocar será una tremenda ola de estupefacción. En primer lugar por el yuyu de conocer las labores paranormales que la Virgen del Viso y la de Covadonga, además del pacense Jesús de la Espina, han tenido en la edición de esta obra; por otro lado, entendemos que la revelación del regreso escatológico de Casal (saltándose alocadamente, no sólo a las empresas más cotizadas de comunicación con el más allá, sino incluso al ahora traicionado Fabio McNamara, su médium oficial según él mismo) es sin lugar a dudas la noticia más impactante de las atesoradas por el impagable autor. Es seguro que lo veremos pronto, junto a Casal, en el famoso programa de la cadena Cuatro y muy probablemente se convierta en su mánager ultramundano. Vaticino, uniéndome así al coro de personas de variadas procedencias y contrastado juicio cuyas opiniones son recogidas en la biografía, una reconstrucción de la carrera musical y artística de Tino Casal a través de Gerardo Quintana quien, no cabe duda, conseguirá su retorno a las listas de ventas, la producción de su musical sobre el Fantasma de la Ópera y la necesaria santificación por la Iglesia de Roma.

Dicho esto, hay que reconocer el trabajo realizado por este fan fatal durante tanto tiempo. Ha reunido un archivo personal increíble, ha entrevistado a todo aquel o aquella que se le ha puesto a tiro; ha visitado, estoy convencido, el lugar donde Casal murió y apostaría a que sus lágrimas limpiaron con su pura sinceridad todo el óxido del asfalto de la carretera de Castilla. Sin embargo, pretendiendo levantar la casa de Casal, reuniendo todo lo suyo, persiguiéndolo en todos los detalles, más que un espectáculo hemos obtenido el cuadro de un síndrome de Diógenes. En esta perorata de opiniones del más variado calibre, la única premisa interpretativa se resume en: Casal era un genio. Dicho esto, todo vale, nada se enjuicia. Así, en las pocas ocasiones en que el autor se hace alguna pregunta con respuesta posible, investigable, en este mundo, sólo encuentra: a) una interpretación gratuita, b) Misterio o c) Maldición.

Salvo el periodista Gerardo Quintana nadie puede saber si a Casal le agradaría esta biografía, lo que no tiene sentido es hacer un libro pensando en que le guste a un muerto, o a los vivos que sinceramente lo quisieron. Hacerle justicia a Casal, una manera, sería colocarlo en su sitio: algo que no pasa por comparaciones irresponsables con Dalí, con Warhol, con Bowie o con San Ignacio de Loyola a quien finalmente eché mucho en falta, por cierto (¿no era él también un hombre del Renacimiento?). Si de lo que se trataba era de hacer un libro para fans, hubiera estado más ajustado un blog como este en donde hacer al unísono invocaciones o terapia de grupo. Queriendo ser el guardián se sus esencias, Gerardo Quintana perpetra una nueva forma de la maldición de Casal.

http://practicamenteinconsciente.blogspot.com/2007/11/la-maldicin-de-tino-casal.html - miércoles 28 de noviembre de 2007

2002 - Grado 33 - Ya se oculta el sol

Disco seleccionado: Ya se oculta el sol
Artista: Grado 33
Sello: Autoreverse
Año: 2002

Carlos Ordóñez (antes conocido como Prozack, Gauss y parte de Radio junto a Silvania) se vuelva en el technopop de facturación oscura y fría, recordando a Décima Víctima o los primeros Aviador Dro.

Tracks:

Noche ideal
Otra gente
Deprimido
El vagón de enfrente
¿Tienes fuego?
Nueva Ola
Pánico
Horizonte
Falsas ilusiones
Náufrago
En ciudades

Carlos Ordóñez ha vuelto. Ha matado a Prozack y se ha mudado de piel retomando su pasión por el pop electrificado con “Ya Se Oculta El Sol” (Autoreverse, 2002). En esta incursión, Ordóñez, domestica los tiempos y acude a todo un imaginario sentimental para entregar once canciones, en todo el sentido del término. Once visitas dirigidas a varias direcciones en las que Ordóñez, acompañado por Alexandra Cabral, aplica sintetizadores y programaciones como fondo sonoro a sus paradas.

Carlos Ordóñez tiene en su haber varios registros que, ya en su época como Prozack exploró en discos como “Electromotriz” (1995), “Ideology” (1996), “Tan Lejos” (1998) o “Dispersión” (2000), grabados para Elefant Records. Además, Ordóñez participó de proyectos paralelos como Gauss, grabando “Estructuras Primarias” (1997), Discodé, con HD Substance con quien grabó “The Night, The Stars And You” (1998), o Radio, junto a Silvania con quienes dejó registrados “Radio” (1999) y “El Aire Está Vivo” (2000).

Hoy, con el pasado aparcado a distancia, Carlos Ordóñez da a Grado 33 la exacta perspectiva a su panorámica pop. “Noche Ideal”, “Deprimido”, “Pánico”, “Nueva Ola” o “Naufrago” son detalles que hacen de “Ya Se Oculta El Sol” un disco que, en sus letras y en su música, es algo único.

1998 - Prozack - Tan lejos

PROZACK
Tan lejos - Elefant, 98

Los ordenadores se hicieron con las casas de piedra y las vigas de madera. Entre las brumas de la ría de Vigo, Juan Carlos Ordóñez ha ido labrando una de las trayectorias más completas de la música electrónica estatal. Después de un primer disco más acelerado y de dar rienda suelta a su segunda encarnación como Gauss, y antes de presentarse como Radio junto a los peruanos Silvana, llegó la hora del más reflexivo y minimal Tan lejos, recuperando un viejo título de Décima Víctima. Tan sólo Arturo Vaquero como Humanoid y su disco Vectorspheres consiguieron hacerle sombra en la música electrónica que, sí, también se levantó en la Galicia milenaria desde pequeños clubes.

http://www.ultrasonica.info/

1983 - Casal: Etiqueta negra - reseña

CASAL “ETIQUETA NEGRA”

Publicado por: EMI-ODEON, S.A. (8 34107 2), 1995. – Original de 1983

Formato: CD

Miedo / Etiqueta Negra / Póker para un Perdedor / Los Pájaros / African Chic / Tigre Bengalí / Legal, Ilegal / Azúcar Moreno

La genialidad en la música de los ochenta tenía un nombre, el incomparable y único Tino Casal. Lamentablemente para todos los amantes de la música escrita en español, desde el desgraciado accidente que lo llevó a manos de la Dama Muerte (22 de septiembre de 1991, Aravaca, Madrid), ningún músico español ha recogido el testigo musical por él dejado. Y es que en la historia del arte existen muchos casos en los que, una vez muerto el artista, sus obras quedan como solitarios testigos de una imaginación exclusiva e irrepetible. Sus obras quedan como la única prueba de la existencia de esa especial visión de la vida, una visión que no volverá nunca más a manifestarse, o más bien, a revelarse. ¿Volverá alguna vez a existir un compositor como Mozart? ¿Volverá a existir alguna vez un escultor como Canova? ¿Volverá alguna vez a existir un pintor como Dalí?,… muerto el artista, queda muerta su magia al quedar muerto ese espíritu creativo concreto.

Pero bueno, dejemos de echar la mirada al pasado y pasemos a rendir un merecido tributo a su obra musical, comentando su álbum “Etiqueta Negra” en una incompleta edición publicada en CD en el año 1995, ya que faltarían las canciones “Un minuto más” y la mítica “Embrujada”, incluidas en el LP original publicado en el año 1983. En cambio, esta edición incluye la canción “Tigre Bengalí”, canción que se incluyó en la segunda edición de “Etiqueta Negra” publicada en el año 1984. Pese a todo, cualquiera de estas tres ediciones se ha convertido en disco de coleccionista en vista a la escasa oferta de trabajos musicales de Tino Casal existente en el mercado, y a su gran demanda.

Con “Etiqueta Negra”, Tino Casal da un giro radical a su estilo musical al crear una serie de atmósferas puramente glam que lo llevarán directamente a ser considerado como uno de los artistas más innovadores y revolucionarios dentro de la música de inicios de los ochenta, tanto en su estilo musical como en su inigualable imagen marcadamente barroca. Desde la canción “Embrujada” hasta “Tigre Bengalí”, este disco luce éxito en cada una de sus composiciones, y cada luz de color queda integrado en un arco iris multicolor alegre, mágico y vital. Porque Tino Casal nos habla precisamente de eso mismo, de la vida, de sus mieles y de sus hieles pero desde una visión esperanzadora, madura y aleccionadora. Para Tino Casal, los reveses son lecciones, y las alegrías son momentos para disfrutarlos con una intensidad tal, como si ese momento feliz que está siendo disfrutado, fuera el último plazo concedido antes de nuestra definitiva marcha. Pero bueno, al fin al cabo palabras son palabras, y lo que verdaderamente nos hace identificarnos con su mensaje es su música. Pasemos a escuchar este impresionante disco…

Impresiones Post-Audición:

Empezamos a escuchar la canción “Miedo”, con su embrujo, su evanescencia, su inevitable sensibilidad a la hora de hacernos danzar en un cable suspendido sobre las inmisericordes fieras de nuestros miedos. Tras el miedo, LA CANCIÓN. Sé que suena muy subjetivo, e incluso hasta exagerado, pero desde que escuché por primera vez la canción “Etiqueta Negra”, algo en mi interior me dijo “esa es tu canción, esa canción eres tú”. “Etiqueta Negra” es más que una canción, es una aptitud, una forma de afrontar la vida que nos llevará desde el hedonismo más profundo, a la más oscura cueva del ermitaño. “Etiqueta Negra” es rosado champagne francés (champagne y no cava, por favor) en rituales en honor a Baco, para posteriormente, entrar sonriendo en la más completa oscuridad interior mientras se canta:

“Etiqueta negra
Porque negro es mi color.
Etiqueta negra
Nieve, truene, haga calor,
Etiqueta negra,
Rosado Champagne francés,
Sueño de un viejo gurú,
sobre el Everest,
Porque negro es mi destino,
y no lo puedo evitar.”

“Póker para un Perdedor”, una canción que nos habla de triunfos casi seguros que se nos escaparon de las manos, de cambios de aires, de giros radicales en la vida en busca de ese mundo en donde sentirnos satisfechos. Porque “Póker para un Perdedor” tiene ese aire trágico del perdedor que no se resigna a jugar su última mano perdiendo. En cambio con “Los Pájaros”, el mensaje se vuelve celestial, atmosférico, volátil, cargado de luminosidad y futuro hasta que la pasional e intensa canción “African Chic”, nos cargue con esa energía puramente terrenal que nos hace sentir vivos, que nos hace sentir esa fuerza que nos une al suelo en comunión con la Madre Naturaleza.

Y llegamos a “Tigre Bengalí”, al sudor tras el acto pasional, a la divinización del otro sumergidos de lleno en el centro del placer. “Tigre Bengalí” es una canción tremendamente pasional, sexual, físicamente desbordante y desbordadora por sí misma. Un culto fetichista a la esencia sexual, una ofrenda a la estatua de Eros, un sacrificio a favor de la magia existente en la unión carnal de dos personas. Con “Legal, Ilegal”, la frontera de lo inviolable quedará en manos de la conciencia de cada uno, de las ganas de arriesgarse para satisfacer ese deseo que, tal vez, se encuentra esperándonos al otro lado. Finalmente, y cerrando este excelente álbum, nos encontramos con la canción “Azúcar Moreno”, con sus miradas furtivas, con esas manos que nos invitan a acercarnos, con esas imágenes que nos incitan a traspasarlas, a observar lo que tapan u ocultan. “Azucar Moreno” es definitivamente la canción de la tentación.

El álbum ha terminado, pero me voy a dar el gustazo de volver a escucharlo de nuevo por centésima vez. Solamente Dios sabrá cuántas veces habré escuchado este disco. “Etiqueta Negra”, un álbum imprescindible para los buenos amantes de la música. ¡¡¡Disfrútenlo!!!.

Lux_Atman

http://luxateneamusica.blogspot.com/2007/08/casal-etiqueta-negra-publicado-por-emi.html - domingo, agosto 26, 2007

1996 - Cosmos records - Albert Salmerón, el baile en el Cosmos

Como responsable del sello Cosmos, el primero en atreverse con ediciones del universo dance en nuestro Estado, Albert Salmerón ya tiene bastante que decir. Si además tenemos en cuenta que lleva la revista Disco 2000, trabaja como DJ, organiza conciertos, busca nuevos talentos, escribe en varios medios y hace un programa de radio, sus opiniones son de lectura obligada.

¿En cuántos frentes trabaja Albert Salmerón y en cuál te encuentras más a gusto?

Mi trabajo habitual, el de cada día, es el que realizo desde una oficina para Producciones Animadas y Cosmos Records. En Producciones Animadas el trabajo actual consiste en contratar programar y organizar conciertos, sesiones de DJ's, fiestas, etc., además de estar programando Ritmes Globals, que es el nombre bajo el que se integra toda la parte dance del Doctor Music Festival. Cosmos Records es el frente que más me motiva en la actualidad. Encuentro muy excitante construir un sello con una personalidad determinada y conseguir que funcione. Y en eso estamos ahora. Además, trabajo en el proyecto cambiante de Disco 2000, un fanzine que ha ido creciendo desde que nació en el 94 y que esperamos que esté en los kioscos, como una publicación con una distribución convencional, a partir del próximo mes de junio. También colaboro con otros medios (El País de las Tentaciones, Rock De Lux, Ajoblanco) y realizo un programa de radio ("La Bomba" en Radio Ciutat de Badalona). Por otra parte, no me considero un DJ. Lo que pasa es que me gusta mucho la música y siempre he pinchado para divertirme, pero últimamente no lo hago mucho porque hay mucha gente que lo hace bastante mejor que yo.

¿Hasta qué punto el DJ crea música con cada una de sus sesiones?

No creo que el DJ cree música con una sesión. En todo caso crea una especie de banda sonora a partir de material de otros. Es como realizar un discurso en el que se explica algo en función del lugar, el público y el momento. El DJ es como un actor que interpreta la obra de un autor.

¿Y hasta qué punto predispone a la gente a escuchar ciertos sonidos o puede ser responsable del éxito o fracaso de un lanzamiento?

El DJ no es el responsable del éxito o el fracaso de un lanzamiento. Nunca lo puede ser. Los responsables serán los que lo hayan promovido. Digamos que fuera, especialmente en el Reino Unido, puede ayudar a que funcionen ciertas producciones, pero no aquí.

Hace unos años no dejaban de ser personajes anónimos. ¿No es contraproducente que se haya personalizado en exceso su trabajo en los últimos tiempos?

No veo porque tiene que ser contraproducente. El DJ es una figura emergente, que es la expresión de una nueva forma de entender la música, y por eso se ha personalizado, porque el DJ es alguien con una personalidad acentuada a la hora de poner música. Rompe con la figura del pinchadiscos a la carta que existía antes, cuando en los locales no había un concepto musical determinado, algo que sigue pasando en muchos lugares.

¿No te ha tentado nunca la posibilidad de grabar o remezclar?

La verdad es que no, al menos hasta el momento. Me parece interesante, pero hay mucha gente que sabe muy bien cómo hacerlo.

Albert Salmerón trabaja en medios masivos como El País. ¿Es cierto el interés de tales medios por la música joven o se mueven por intereses simplemente mercantilistas, de atraer a un público distinto?

Supongo que están interesados, sino harían cualquier otra cosa más rentable. Y, por supuesto, supongo que hay una necesidad mercantilista de rentabilizar un proyecto. Pero ese interés existe en cualquier negocio -en la pequeña sala de conciertos alternativa de una pequeña ciudad o en un sello independiente- y es necesario para sobrevivir y llevar adelante cualquier iniciativa con garantías de éxito, porque sino estaríamos hablando sólo de ocio.

En cuanto a revistas especializadas como Rock de Lux, ¿cómo se pueden equilibrar las ansias de parecer el más enterado de cada uno de sus redactores y la posibilidad de una cierta línea editorial o la creación de un estado de opinión?

No sé. Es una cuestión que deberían responder en la dirección de Rock de Lux.

Revistas como Disco 2000 son un lujo en el ámbito de la prensa musical y, además, gratuitas. ¿Pueden sobrevivir publicaciones así simplemente de la publicidad -y eso es precisamente lo que os permite mayor libertad- o hay que renunciar a determinadas cosas?

De momento ha podido sobrevivir gracias a la publicidad, aunque precariamente. No hay que renunciar a nada, si eso es lo que quieres saber, al menos nosotros no lo hemos hecho.

En cuanto a la escena estatal de música de baile, ¿hay que buscar mucho para encontrar al verdadero talento o, por el contrario, os llueven las maquetas y propuestas de gente que quiere lanzarse?

Hay que buscar, aunque tampoco hay tanta gente trabajando. Y más o menos -aparte de las sorpresas, que las tuvimos al preparar el recopilatorio Cosmosound 1, porque nos llegó material muy interesante de gente que no conocíamos de nada-, sabes qué hace todo el mundo y dónde está. Esto, de momento, es una escena pequeña.

¿Al ser Cosmos un sello joven, pero distinto, es más fácil llegar a los medios y a la gente?

No sé si es más fácil o más difícil. Por lo que hemos visto hasta ahora, hemos encontrado mucho interés en cierto tipo de medios, especialmente prensa escrita, por lo novedoso de la propuesta, pero nos ha sido imposible entrar en otros como la radio, salvo excepciones que nos ayudan mucho como "Siglo XXI" en Radio 3.

¿Cómo se ve desde un sello con dos años de experiencia la competencia naciente de So Dens o Elefant Dance?

Se ve muy bien, porque esto empieza a animarse y empiezan a salir sellos. Es normal que pase y es saludable. Sería horroroso que sólo hubiera un sello de música de baile en nuestro país, aunque fuera Cosmos, porque respondería a una manera de ver el mundo de la música y, por suerte, hay muchas visiones. Eso es la prueba de que empieza a formarse una escena más o menos sólida.

A la hora de seleccionar a un determinado artista o grabación para el catálogo de Cosmos o para un disco recopilatorio, ¿cuáles son los criterios básicos e irrenunciables?

La calidad, con lo arbitrario que es ese término y, sobre todo, que nos guste y nos podamos identificar con cualquier edición que hagamos.

¿Cuáles son los proyectos o ediciones de Cosmos para los próximos meses?

Nuestra próxima edición, para abril, es un álbum de Alex Martin Ensemble, el segundo que editamos en Cosmos, titulado, si no hay cambios, Join The Band, en el que ha incluido músicos en vivo para hacer realidad un sueño que tenía Alex de hacer un disco un poco a la manera jazzística. También el álbum de Vanguard, para octubre, que probablemente irá precedido de un maxi en mayo. Además tenemos dos o tres maxis proyectados, aunque no tenemos claras las fechas.

¿Pueden ser catalogados Alex Martin, Madelman o Prozack como clásicos o lo serán algún día?

Es posible que pueda ser así. Especialmente en el caso de Madelman todo está tomando unas dimensiones inesperadas en la aceptación de su primer álbum Palais, que parece que ya esté adoptando la categoría de clásico. Aunque para eso, en realidad, tendrán que pasar unos cuantos años y ver entonces si sus obras siguen siendo válidas.

¿Está Cosmos cerrado al rap y cómo se ve la propuesta de Yo Gano, No More y Zona Bruta?

Cosmos no está cerrado a nada como dogma. No hemos editado nada de rap porque hasta el momento no encajaba en la línea adoptada, pero si encontráramos una propuesta especial, diferenciada, que encajara con nuestro catálogo, nos encantaría. La propuesta de esos otros sellos de rap es muy interesante y cada vez más consolidada.

La aventura de una gira con artistas de ritmos bailables sienta, también, un precedente. ¿Cuál ha sido la respuesta y qué previsiones hay de continuar en esa línea?

Ha sido muy gratificante porque nos hemos encontrado con una respuesta muy entusiasta. Creo que es necesario lanzar iniciativas así para entrar en contacto con la gente y crear un tejido que vaya más allá de Barcelona, donde estamos instalados. Creo que seguiremos haciendo giras y fiestas del sello para dar a conocer nuestra propuesta al público de otras ciudades.

¿Qué pasa con las sesiones del Etxekalte?

Las sesiones del Etxekalte son una muestra de cómo pequeñas cosas pueden ir cambiando el paisaje de la escena. Es a partir de ahí que las cosas empiezan a moverse y la gente se interesa y se engancha a nuevas iniciativas. Además, al ser un club tan pequeño, las sesiones allí se convierten en una olla a presión.

¿Cuáles son los templos de estos ritmos en el Estado o las ciudades en las que hay una mayor receptividad?

Barcelona es en estos momentos una ciudad con una gran agitación pero también en Madrid están pasando muchas cosas. Luego hay pequeños núcleos que se van extendiendo ya por todas partes, en cada lugar con una idiosincrasia muy diferente que responde al background de donde ha salido todo.

¿No estamos aún con una cierta desventaja en relación a países cercanos, como Portugal por ejemplo, en lo que se refiere al desarrollo de una escena propia?

No conozco mucho la escena portuguesa, que sé que tiene una gran relación con Galicia. Sé que tiene una gran vitalidad y que tiene mucha fuerza la escena techno-house, pero también que no hay mucho espacio para las nuevas tendencias más underground. Supongo que en Portugal se habrán desarrollado más unos géneros y en España otros.

Al ser un producto en ocasiones anónimo y con mayor presencia de sonidos instrumentales o con empleo del inglés, ¿no hay mayores posibilidades de éxito internacional en este mundo que en el del rock?

Sí, por supuesto. Además, hay una apertura mayor a lo que se hace en otros países no anglosajones que la que existe en el mundo del rock.

¿Es Europa el mercado natural para las posibles producciones estatales o sería también posible hoy en día entrar en el mundo anglosajón?

Creo que va a ser posible. De hecho lo estamos intentando y parece que vamos a entrar en breve, así como en Francia y en algún otro país europeo, donde ya tenemos distribución. El mercado de la música de baile se está internacionalizando, lo cual va a posibilitar rentabilizar con una mayor facilidad las producciones nacionales, hasta el momento algo complejo.

Por último dos preguntas para la polémica fácil. ¿Hay algo peor, en cuanto a cerrazón musical, que un indie reconvertido en adicto a la música de baile?

Sí, supongo que hay millones de cosas peores. Por otra parte, es un proceso natural que cada vez va a ser mayor.

¿Y por qué no se da ese proceso a la inversa -salvo en contadas ocasiones: Moby, Neneh Cherry-?

Porque es más normal que la gente realice el recorrido que va de lo viejo y lo conocido a lo nuevo, que al revés.

Xavier Valiño - Ultrasonica e-zine